Aurillac en scène

Charismatique chanteuse de Hyphen Hyphen, Santa revient avec le nouvel album de ce groupe lauréat, en 2016, de la Victoire récompensant la révélation scène de l’année. Mais c’est avec un fulgurant premier EP à son nom, « 999 », entièrement en français, qu’elle exprime une facette artistique qu’elle n’a jamais dévoilée auparavant. Cet EP augure superbement de l’album de Santa prévu pour la suite…

Le 8ème album de Shaka Ponk n’a pas de titre. Il se contente des initiales S.P. entrelacées en un symbole un peu ésotérique. Et d’une photo de pochette qui en résume l’esprit : radical, offensif, sans concession, non négociable. Un titre n’aurait rien ajouté, plutôt dilué. Ce disque refuse l’artifice, refuse de jouer le jeu des convenances, des connivences et des routines du divertissement. Ce sont dix chansons pour rompre le statu quo et redonner au rock son insolence, sa colère, sa liberté. Il a été écrit dans un moment particulier où tout est remis en question, où consommer, s’informer, s’exprimer, être gouverné, aimer et vivre sont reconsidérés à l’aune des crises multiples qui bouleversent notre quotidien. Ce n’est ni un manifeste, ni un pamphlet, pas même un bras d’honneur. C’est une réaction de survie. Voilà dix chansons qui se rebiffent, choisissent l’électrochoc à l’anesthésie, crient au scandale, hurlent à la vie, à la liberté et à l’espérance.

Shaka Ponk ne veut surtout pas être l’orchestre du Titanic qui continuait à jouer des airs lénifiants alors que le bateau sombrait. Il ne veut être ni complice du naufrage, ni indifférent à son inéluctabilité. Il n’entend pas se réfugier dans une quelconque dystopie pour tempérer son angoisse. Inutile de l’anticiper, le désastre est déjà là. Il est climatique, il est sanitaire, culturel, économique, démocratique et surtout humain. Il asphyxie, inonde, brûle, confine, pousse des milliers de gens dans la pauvreté et d’autres à risquer leurs vies sur des radeaux de fortune. « Le déni dans lequel on vit est l’une des raisons pour lesquelles on a fait Shaka Ponk au début explique Frah. Tout est fait pour ne rien remettre en question, pour ne pas penser. Quand la pandémie est arrivée il y a eu une cassure, une division, une perte de sens, une hystérie collective et médiatique. Le covid a ajouté une couche au mille feuilles des aberrations humaines. Ça nous a amené dans un endroit que l’on ne connaissait pas. On s’est retrouvé à ne plus parler que de ça. On n’écrivait plus de chanson, on ne faisait plus de musique, plus de vidéo, plus de scénographies. On est resté comme ça, sévèrement ébranlé, à discuter en boucle du fonctionnement de la société dans laquelle on vit et du déni qui l’autorise à s’effondrer chaque jour un peu plus. »

Comme l’écrit l’astrophysicien Aurélien Barreau dans un long texte accompagnant l’album : « la fin du monde pourrait n’être pas si triste. » C’est là tout l’inestimable paradoxe de cet album, et peut être du rock en tant qu’idiome privilégié de l’extrême, que de savoir s’énivrer du mal être, de tirer de la peur, de la douleur et de l’humiliation, un retour à des valeurs essentielles. C’est aussi de pouvoir faire de la colère, celle dont s’enflamment D’Essence, Alegria, 13 000 Heures ou Tout le Monde Danse, le ciment d’une fraternité.

Avec les succès que l’on sait : My Name Is Stain, Let’s Bang, Palabra Mi Amor,Picky, les albums The Geeks and The Jerkin’Socks en 2011, The White et The Black Pixel Ape en 2014, The Evol trois ans plus tard. Mais aussi les centaines de concerts accompagnés de leur vertigineuse pyrotechnie digitale qui ont fidélisés partout en Europe des milliers de fans de 7 à 77 ans.

C’est bien ce même alliage d’humanité et d’énergie qui répond encore aujourd’hui présent. Pourtant si c’est la même musique, haletante, renversante, que l’on entend, le degré d’urgence s’est accru, les idéaux ont mûri, les priorités ont changé. Bien que cet album soit le dernier, que la tournée The Lask Fucked Up Tour soit celle des adieux, Shaka Ponk ne rend pas les armes pour autant. Il entend les utiliser autrement, sur d’autres terrains que celui du spectacle.

« Au départ Shaka Ponk était un projet sans prétention auquel le public a donné toute son ampleur. Une parenthèse artistique décalée au milieu d’une société, sérieusement « dysfonctionnelle », fondée sur la consommation, l’exploitation des ressources de la planète sans jamais la nourrir en retour. Grâce au public, Shaka Ponk est devenu notre vie, et cette vie nous a nourri. Nous voulons maintenant la nourrir en retour.»

A 32 ans, Selah Sue fait partie des piliers de la scène belge actuelle. Son troisième album studio Persona marque un renouveau artistique, tout en proposant une constante : la voix si caractéristique de Selah Sue, à la fois gorgée de soul chaleureuse et traversée de fêlures blues. A lui seul, ce timbre solaire contient toutes les personnalités de la chanteuse, à commencer par son optimisme, son énergie explosive et ses montées de fièvre capables de galvaniser des foules entières, mais aussi sa maturité, sa pudeur, ses fêlures intimes, son charme envoûtant. En suivant la fameuse devise de Socrate, «Connais-toi toi-même», Selah Sue trouve son équilibre et continue d’avancer, d’un pas plus assuré et plus serein, vers la lumière.

« Comment on s’écrit quand on a la vingtaine ? Comment on s’décrit quand on s’connaît à peine ? », se questionne-t-elle en ouverture d’album. La jeune fille n’est pourtant pas du genre à se draper dans le mystère ou cultiver le secret. De toute façon, La vingtaine et ses onze chansons restent le meilleur moyen pour débusquer des vérités sur elle et permettre par la même occasion une identification caressante tant le disque dessine presque essentiellement un autoportrait. Se brancher au quotidien sur la fréquence Mentissa, c’est l’assurance d’être en présence de quelqu’un à la vivacité pétaradante, à la spontanéité salvatrice, au verbe volubile et au capital sympathie instantané. Une sacrée nature, comme on en croise rarement, déterminée à un envol artistique dès l’enfance. Elle grandit dans la banlieue bruxelloise, dévore Disney Channel, danse beaucoup, s’imagine cheerleader jusqu’à ce qu’elle tombe sur la série Glee à l’âge de douze ans. Une révélation. La chambre comme premier refuge pour chanter, la mère comme première spectatrice clairvoyante. Trois ans plus tard, elle participe à The Voice Kids Belgique et ramène la coupe à la maison.

Eprise du hasard, Mentissa ne se contente pas de l’accueillir, mais le réclame. D’abord un refus catégorique lorsqu’une casteuse lui propose de figurer dans la version française adulte du même télé- crochet. La suite, on la connaît : une place décrochée en finale lors de l’édition 2021 et une connexion lumineuse avec Vianney, son coach si impliqué dans son aventure. Tout se noue avec une fluidité confondante entre eux, en proie avec des affinités immédiates, un alignement intime, un état d’esprit similaire et inhérent à la passion. Il la prend sous son aile, enregistre avec elle une reprise d’Axelle Red (Parce que c’est toi sur la réédition de l’album N’attendons pas). Et dégaine sans qu’elle le sache Et Bam, offrande écrite sur-mesure. Cette chanson-là, Mentissa l’interprétera sur toutes les dates de la tournée des Zénith de Vianney et sur la scène de l’Accor Hotel Arena. Directement le grand saut devant un public de masse et déjà une aisance confondante. Cette chanson-là, vibrante et à l’intensité crescendo, personnelle et effet miroir de sa trajectoire, est une vraie mise en orbite pour la chanteuse belge de vingt-trois ans (trente millions de streams).

Au sommet de son panthéon trône l’incontournable Adele suivi pêle-mêle de Ed Sheeran, Anne-Marie ou Olivia Rodrigo. Ce son de pop anglaise, elle désire l’injecter à son album, le faire entrer en collision avec la variété française. Deux séances de travail sont planifiées à Londres où elle collabore notamment avec Eg White, musicien-producteur au CV à faire pâlir le jour (Adele, Sam Smith, Céline Dion, Kylie Minogue…) et Blair Mackichan (The Greatest de Sia, Ma philosophie d’Amel Bent). La deuxième session s’avère même déterminante puisque là-bas Mentissa fait sauter les verrous de sa crainte à écrire en français. Celle qui s’avère aussi compositrice et dit « trifouiller » à la guitare ne sera pas qu’interprète des mots de Joseph Kamel, Vincha, Laurent Lamarca et Vianney. Du souffle, du panache, de la délicatesse. Mentissa joue de la bascule entre les grandes envolées orchestrales et les ballades crève-cœur.

Toujours animée d’une force libératrice et de cette voix puissante, intime, éclairée, capable de rendre intelligibles les plus fines nuances. Elle convoque ici ses interrogations, ses repères, ses liens, ses peurs. Frontale et déchirante lorsqu’elle s’attaque dans Balance au complexe du poids et aux jugements coupables (Toi qui sais que je m’affame/Pour un chiffre à deux larmes/Qui n’est jamais comme il faut/D’en bas tu me regardes…). Lucide et dopée par une rythmique pop-soul lorsqu’elle dresse le constat d’une société pressée carburant à l’urgence et au zapping (Attendez-moi). Tendresse diffuse lors de cette adresse à ses deux frères qui prend l’allure d’une comptine (Petit prince). Ou ce cœur qui ne va cesser d’osciller entre ses deux villes d’attache (Paris-Bruxelles), titre qu’on pourrait considérer comme un prolongement d’Et Bam. Il y a encore cette naissance d’une idylle projetée dans l’avenir (Premier janvier), ce rapport à la simplicité et aux petites choses ordinaires (Exceptionnel), cette invitation au lâcher-prise mental (Le bruit du silence) ainsi que deux morceaux davantage détachés d’elle concernant l’incompatibilité d’humeur dans un couple (Prends-moi la tête et sa mélodie galopante) et le mordant d’une femme trompée (Mamma mia, chanson fougueuse à souhait et signée Vianney). A la manière d’une profession de foi, elle clame dans le refrain de La Vingtaine : « Faut qu’je vive encore ». Qu’elle sache aussi qu’elle a déjà de solides atouts dans son escarcelle pour traverser sereinement l’existence.

Odwad, est le plus anglais des cantaliens ! Installé depuis quelques années à Pierrefort, il a repris la musique tout seul chez lui dans sa campagne pierrefortaise: «Vous pouvez retirer le garçon de Londres, mais vous ne pouvez pas retirer Londres du garçon. A moins de le déposer en pleine campagne française avec seulement le boucher pour faire de la musique avec…»

RIVO est un DJ & Producteur français de 22 ans, originaire de Brive-la-Gaillarde. Autodidacte et passionné de musique électronique, il commence à composer ses propres morceaux dès l’âge de 15 ans depuis sa chambre.

En 2016 et en pleine évolution, une collaboration avec l’artiste Tribe Dive donne lieu à la création de « Someone New », titre signé sur le label The Bearded Man, une division d’Armada Records, maison de disque fondée entre autres par Armin Van Buuren (élu 5 fois meilleur DJ au monde entre 2007 et 2012). Un an plus tard, RIVO sort le titre « Wanna Know You (feat. Sugar Kawar) » sur le label Warner Music avec LoaX, un talentueux producteur suédois. En 2019, RIVO édite « Good Life » sur le label One Seven Music / Discowax, une division de Sony Danemark. Le titre est alors écouté des millions de fois sur Spotify, et donne naissance à un premier clip publié réalisé par Lucas Bosc.

Malgré son jeune âge, RIVO a déjà eu l’opportunité de pouvoir se produire sur des festivals français reconnus tels que l’Elektric Festival, le E-Wax Festival ou encore le Brive Festival. Dans le même temps, il effectue sa première tournée internationale en Asie en Octobre 2019. En 2020, RIVO sort un remix du titre « Lucky Together » pour le producteur français Stone Van Brooken, sur le label Warner France. Puis dans la continuité de ce projet et malgré la crise sanitaire, RIVO édite un nouveau morceau estival intitulé « Let It Go » sur le label suédois LoudKult, afin de partager un peu de bonheur et d’ondes positives à ses fans.

En octobre 2020, il publie un remix officiel de «BornAloneDieAlone», un single de l’artiste américaine Madalen Duke, et musique du célèbre film Netflix «The Old Guard» avec Charlize Theron.

L’année 2022 est signe de renouveau pour Rivo puisqu’il signe avec le label Wagram Music International. Le jeune artiste se produit sur le mainstage du Brive Festival et de l’Electrik Park. La même année, il sort un le single ‘Fall in Love’ (feat. Arpad & Thomas Sykes) et atteint le charts en Turquie, le titre sera joué par une quarantaine de radios internationales.

Déjà adoubé par DJ Mag et Aficia, RIVO est annoncé au Brive Festival 2023. Il est en phase avec sa génération, notamment grâce au réseau social Tik Tok où il réunit quelques centaines de milliers de vues sur ses vidéos et des millions d’écoutes sur les plateformes de streaming. Producteur accompli, en pleine ascendance, il annonce la sortie d’un EP au printemps 2023 avec un single ‘Break You Down’ feat Scarlett.

En juillet 2023, Rivo performe sur la scène Redbull au Garorock, le même jour que Fred Again. Durant toute la durée du Lovely Brive Festival, élu meilleur Festival Français de Musiques Actuelles en 2022, il performe en qualité de DJ résident, puis il se produit à Marseille pour un plateau Fun Radio à l’occasion de la fête de musique…